¡Excelente! Michèle Fischels - Outline: Cualquiera que haya asistido alguna vez a un instituto sabe lo importante que puede llegar a ser la elección correcta de un lema adecuado para todo el curso. Al fin y al cabo, existe la firme convicción de que es necesario demostrar al mundo la importancia y la creatividad de esa promoción: "Wasabi - Scharf im Abgang" ("Wasabi - Picante hasta el final") es, por tanto, el lema del grupo de estudiantes del que trata esta historia. Esta novela gráfica narra el último curso de un grupo de jóvenes antes de acabar el bachillerato y las experiencias que marcan esa etapa de transición: el último viaje de estudios, la última fiesta, la incertidumbre sobre el futuro profesional. Fischels sigue a la pandilla formada por Ben, Andreas y Clara, quienes, entre la preparación de sus exámenes finales y la solicitud de una plaza en la universidad, deben encontrar una nueva orientación en sus vidas. En medio de toda la confusión, también surgen rupturas y nuevos comienzos en las relaciones y el amor. La escuela se convierte en puerta y trampolín para los protagonistas: se acercan los exámenes, las amistades se ponen a prueba y hay que tomar decisiones para aclarar la compleja trama de relaciones personales.
Con Outline, Michele Fischels ha creado una obra que se inserta en el floreciente género de la literatura juvenil, pero ampliando sus límites de forma novedosa. Siendo su primer libro publicado, Outlineya ha sido galardonado con el Luch del mes de septiembre de 2024 y el Luchs del año, concedidos por Die Zeit y Radio Bremen. El discurso de premiación decía: "Fischels demuestra que el mutismo de la juventud no tiene por qué ser el fin de la comunicación, sino que puede ser un comienzo, lleno de imágenes que dicen más que mil palabras". Esta frase resume la fuerza de Outline: su sugerente minimalismo.
Fischels logra abordar estos temas con sutileza y empática ironía. Sin embargo, en comparación con Auf einem Sonnenstrahlun (En un rayo de sol) de Tillie Walden, prescinde del estilo narrativo épico, casi de cuento de hadas, de esta última, y opta por un camino más abierto, menos narrativo. La estructura de la historia, aunque en principio está bien definida, se disuelve en favor de una forma más asociativa, casi de diario personal. Las viñetas parecen a veces fragmentos sueltos de recuerdos que, en su aparente desconexión, terminan construyendo un todo coherente.
El trazo minimalista recuerda la tradición francesa de artistas como Claire Bretécher y Catherine Meurisse, que también trabajan con líneas sobrias y un lenguaje visual conciso. Asimismo, se percibe la influencia del trazo inquieto de Gipi, especialmente en los momentos en los que la agitación interior de los protagonistas se hace visualmente palpable. La simplicidad del dibujo y el uso sutil del color subrayan el carácter introspectivo de la obra. Los trazos son sencillos pero vibrantes, sin adornos innecesarios. Sin embargo, esta claridad no es un fin en sí mismo, sino un recurso para enfatizar la carga emocional de la historia y, por tanto, tiene una función expresiva (véase la imagen de arriba, p. 113).
Outlinese inscribe así perfectamente en el auge de la literatura juvenil, que recurre cada vez más a formas gráficas de expresión. Con su debut literario, Fischels demuestra que tiene una voz que debe ser escuchada, especialmente por los lectores jóvenes, y que su combinación de imagen y texto puede generar una poderosa resonancia. Será interesante ver qué temas abordará próximamente esta joven artista una vez que haya trascendido el género juvenil.
Gipi | Geschichten aus der Provinz | avant Verlag | 208 páginas | 35 EUR
¡Nada provinciano! Gipi - Geschichten aus der Provinz (Historias de la provincia): Con Irgendwie und Sowieso, Franz Bogner creó un alegre y melancólico homenaje a la provincia bávara en la televisión de los años ochenta. Esa misma sensación de indefinición también se encuentra en la colección de relatos de Gipi. Pero, veinte años después de aquella nostálgica serie de televisión, en Italia la vida dista mucho de ser idílica. El relato central, Apuntes para una historia de guerra (Appunti per una storia di guerra), pieza fundamental dentro de la obra de Gipi, nos presenta un vívido cuadro de la violencia, la lucha por el poder y la supervivencia en un entorno marcado por los conflictos y la delincuencia de bandas.
La historia se sitúa en una región indeterminada sacudida por la agitación social y política. Sin embargo, el conflicto nunca se menciona de manera explícita, sino que permanece en un segundo plano como una presencia difusa y amenazante que condiciona la realidad de los personajes. Así, la trama no hace referencia a una guerra concreta, sino que utiliza su inquietante presencia como metáfora de la violencia cotidiana que afecta a las personas. La historia se centra en un grupo de jóvenes que se mueven en este entorno destructivo y que han desarrollado una serie de estrategias de supervivencia sin rehuir, en última instancia, a la violencia. Se trata de su ingreso y ascenso en la estructura criminal predominante en este sistema.
Gipi se centra en el desarrollo psicológico de estos jóvenes y en cómo se enfrentan a la amenaza constante de la violencia y el poder. Su mundo se caracteriza por una imparable espiral descendente dentro de este sistema. La historia se centra en la lucha diaria por una supuesta vida mejor y la búsqueda de una identidad masculina (véase, por ejemplo, la imagen de arriba, p. 66). Dentro de las estructuras de las bandas, los jóvenes encuentran un sentimiento de pertenencia, adquieren poder y pagan un alto precio por ello: el miedo y la presión constante para afirmarse en este mundo sometiéndose a sus reglas.
El trasfondo bélico que impregna la realidad de estos jóvenes es una presencia oscura y vaga, hecha de incertidumbre, miedo y un silencio amenazador. Esta indefinición convierte la guerra en una metáfora de la vida a menudo caótica de los jóvenes, caracterizada por las luchas de poder. La pregunta del "por qué" de la violencia queda sin respuesta, lo que hace que los conflictos resulten aún más asfixiantes. Esta guerra es una amenaza que procede de diversas fuentes: la violencia de las bandas, la desigualdad social, la fragilidad de las relaciones y una desesperanza general que experimentan sobre todo los jóvenes, y no sólo en las provincias italianas: de fondo se intuye un paralelismo con el Este alemán. La guerra es omnipresente, a veces es invisible, otras queda difuminada, pero siempre está ahí. La provincia donde se desarrolla la historia no es por tanto un espacio geográfico concreto, sino más bien un símbolo del aislamiento y la ausencia de perspectivas. En las provincias, el margen para el desarrollo y el crecimiento es limitado, y prevalecen estructuras que apenas dejan opciones a los protagonistas.
Gipi emplea en esta historia su característica técnica de dibujo, con trazos rápidos y una notable reducción formal. Como resultado, las figuras suelen aparecer esquemáticas o toscamente esbozadas. Esta simplificación genera, por un lado, una cierta distancia, permitiendo que cada imagen se centre en lo esencial de una persona o una situación. Pero, al mismo tiempo, obliga al lector a profundizar en las dimensiones emocionales y psicológicas de los personajes. La deformación del mundo y de la psique de los personajes se intensifica gracias a este estilo de dibujo. No es casual que sus imágenes recuerden los estudios de personajes de George Grosz. Este efecto se refuerza con las sombras planas en tonos grises, que capturan con precisión la atmósfera de la historia.
Los otros episodios Los inocentes (Gli innocenti), Han encontrado el coche (Hanno trovato l'auto), Dos setas (Due funghi) y La mano muerta (La mano morta) también abordan la violencia y la ambigüedad moral como factores determinantes en la vida de sus personajes. Todos giran en torno a la búsqueda de identidad y pertenencia en un entorno de aislamiento y alienación. Motivos visuales recurrentes, como el coche o la seta, aportan una capa simbólica a la trama y refuerzan su impacto emocional.
Joe Sacco | Palestina | Edition Moderne | 302 páginas | 29 EUR
¡Sigue siendo actual! Joe Sacco - Palestina: Ningún artista del cómic ha influido tanto en la narración periodística como el dibujante y autor maltés-estadounidense Joe Sacco. Su volumen Palestina, publicado originalmente como cómics individuales entre 1993 y 1995 y traducido al alemán por primera vez en 2004, se considera una de las obras más importantes del cómic documental. Sus ilustraciones en blanco y negro son sombrías, detalladas y, en ocasiones, parecen casi recargadas. Sin embargo, esto no es casual: reflejan la complejidad de la tragedia política y humana que retrata. En la década de 1990, el reportero e ilustrador Joe Sacco viaja a Cisjordania y la Franja de Gaza para documentar la vida cotidiana bajo la ocupación israelí. Realiza entrevistas con civiles palestinos que informan sobre los efectos de la ocupación y registra historias de sufrimiento, miedo, esperanza y resistencia. Sacco alterna entrevistas, experiencias personales, información objetiva e investigación periodística, lo que convierte su cómic en un reportaje clásico. No se trata únicamente de una recopilación de relatos individuales, sino también de una reflexión crítica sobre el origen del conflicto, los malentendidos históricos y decisiones políticas que han exacerbado las tensiones, así como las relaciones de poder que están en juego. Aunque el propio Sacco, como extranjero occidental, mantiene siempre una cierta distancia con respecto a sus historias, logra adoptar una perspectiva empática que permite al lector adentrarse en la angustiante realidad de los palestinos (véase la imagen inferior, p. 150).
Los sucesos de 7 de Octubre de 2023, cuando Hamás lanzó un ataque terrorista a gran escala contra Israel, no se abordan directamente en la nueva edición de 2024, ya que tuvieron lugar después de los hechos relatados. Sin embargo, la relevancia de la obra de Sacco puede deducirse precisamente en el contexto de los acontecimientos de 2023. En cierto modo, Palestinapuede considerarse una especie de prehistoria que arroja luz sobre algunas de las raíces del conflicto actual: cuestiones políticas sin resolver, la espiral de violencia y el complejo impacto social en las personas de ambos bandos. De hecho, examinar estas tensiones a largo plazo es un objetivo central del libro de Sacco. En el prólogo a la nueva edición de 2024, escribe: "Lo que está en juego es cada vez más importante para ambos pueblos. Sólo podemos rezar para que los hombres de bien de ambas partes se unan, se alejen del borde del abismo y busquen un camino justo." El estilo gráfico de Joe Sacco es sutil y preciso. Sus ilustraciones son realistas, pero al mismo tiempo estilizadas y deliberadamente simplificadas. Recuerdan a Chris Ware, Charles Burns y, en menor medida, a Robert Crumb. La atención se centra en los rostros de las personas y en los detalles centrales del entorno, con el objetivo de resaltar la expresividad de cada situación. Aunque las escenas suelen organizarse en un diseño clásico de cuatro columnas, Sacco también experimenta con perspectivas cambiantes y variaciones en el tamaño de las viñetas. A veces, los paneles se disuelven, los globos de diálogo dominan la acción o desaparecen por completo según sea necesario para dar espacio a la atmósfera de una situación. La diversidad periodística del reportaje también se tiene en cuenta en los dibujos. Cualquiera que esté más interesado en el trasfondo de un conflicto casi insoluble que en los acalorados debates políticos del momento, puede ampliar aquí sus horizontes.
¡Bowie, nuestro héroe! Reinhard Kleist - Low:"Yo, yo puedo recordar / De pie, junto al muro / Mientras las armas disparaban sobre nuestras cabezas / Y nos besamos, como si nada pudiese derrumbarse." De inmediato, los hipnóticos acordes vuelven a sonar en nuestra cabeza. "¡Podemos ser héroes, sólo por un día!" Así cantaba Bowie en sus días berlineses, y todos nos sentíamos héroes con él. Ahora esta obra revive ese sentimiento de finales de los años 70 y nos devuelve a esa época.
En Alemania, Reinhard Kleist es el maestro de la novela gráfica biográfica, y con Lowha producido una obra en la que vuelve a explorar la vida de la leyenda músical David Bowie. Sin embargo, Low no es sólo una biografía en formato cómic, sino también una exploración artística de la compleja personalidad de Bowie y de las cambiantes fases de su vida. Starman (2021), abordó el ascenso de Bowie en la década de 1970, en particular su etapa como Ziggy Stardust y su transformación en una figura iconica. La segunda parte, Low, se publica en 2024. El volumen está dedicado a la etapa posterior al gran éxito de Ziggy Stardust, cuando Bowie atravesó una crisis creativa y se retiró a Berlín. El cómic se centra en la creación de su revolucionario álbum Low, que marcó el inicio de la llamada "Trilogía de Berlín" e introdujo una nueva vía experimental en su música. Kleist capta la atmósfera oscura y a la vez innovadora de este periodo, en el que Bowie se debatía entre sus problemas personales y la experimentación creativa. Para Bowie, su huida a Berlín supuso una especie de liberación de las ataduras de su vida anterior.
La narración no es lineal, sino que salta constantemente entre diferentes líneas temporales. Kleist comienza con Bowie buscando piso y una escena en la que está trabajando en las grabaciones de Low en un estudio de Berlín. Luego intercala flashbacks casi monocromáticos, que muestran los acontecimientos en la vida de Bowie que lo llevaron a este álbum. Se abordan temas como la adicción a las drogas, el bloqueo creativo y el sentimiento de alienación de su entorno y de su propia identidad. Y una y otra vez, el Starman sobrevuela la imagen como un icono del pasado. Esta fragmentación de la trama también refleja la agitación y el caos interior del propio Bowie y, al mismo tiempo, simboliza la esencia de Low en su mezcla de sonidos experimentales, momentos introspectivos y estallidos emocionales. En general, el estilo de Reinhard Kleist se caracteriza por su trazo claro y expresivo. Prescinde en gran medida de efectos visuales detallados y, en su lugar, se decanta por un diseño minimalista que se concentra en las figuras y a menudo oculta los fondos. La representación de Iggy Pop, Brian Eno o Romy Haag, los amigos berlineses de Bowie, adquiere una plasticidad que recuerda a las fotografías icónicas de la época. En varios casos, las imágenes se apoderan incluso del diálogo, se explican casi por sí mismas (véase la imagen de la izquierda, p. 61). Las metáforas visuales, como la vista mural negra, roja y dorada, aportan un subtexto a la narración. Estos motivos pictóricos, ya sean imágenes de discos, espejos o ventanas, son referencias a la autorreflexión, la búsqueda de uno mismo y la alienación. Un aspecto de la obra que puede resultar irritante a primera vista es el uso casi chillón del color. Cualquiera que haya seguido a Kleist durante mucho tiempo estará familiarizado con la expresividad de sus clásicos contrastes en blanco y negro. Aquí, utiliza un esquema de color chillón que recuerda a la estética de los años 70, a las portadas de los discos y a la imagen de Bowie en aquella época. En muchas escenas, colores brillantes como el rosa, el azul y el naranja inundan las páginas con un carácter casi psicodélico . Hay momentos en los que los colores explotan literalmente, especialmente en las escenas que representan los excesos de Bowie con las drogas o sus momentos musicales más extáticos. El uso de estos colores no es decorativo, sino que contribuye a la atmósfera de la historia. Los colores refuerzan la sensación de confusión, intensidad y tensión psicológica que Bowie experimentó durante esta fase de su vida. Sin embargo, la tristeza y la melancolía que se desprenden de los matices y contrastes de Kleist se pierden un poco. La representación de la oscuridad psicológica y la agitación interior, como la que Bowie muestra en la portada de Heroes, el segundo álbum de la trilogía berlinesa, no llega a cuajar porque la saturación cromática a veces abruma y eclipsa el estilo gráfico característico de Kleist.
Aun así, para quienes quieran entender a Bowie, Low no decepciona. Recomendación de pista para leer el cómic: Subterraneans, de Low. Y, por supuesto, Heroes siempre es una buena opción.
¡La otra Venecia! Christophe Dabitch & Piero Macola - Der Schleuser (El contrabandista): La plaza de San Marcos, el Palacio Ducal, el puente de Rialto y el puente de los Suspiros quedan fuera de la ecuación: aquí descubrimos Venecia desde un ángulo bastante desconocido. Se nos presentan zonas portuarias oxidadas, barracones en ruinas en islas desiertas, la propia laguna, y sus peligrosos bajíos, donde uno puede quedar fatalmente varado. Todos estos escenarios juegan un papel fundamental en esta novela gráfica única. Y al igual que Venecia es vista desde un ángulo inusual, los autores también abordan el tema de la trata y el tráfico de seres humanos desde una perspectiva inusual: Paolo busca a su padre, un pescador que conoce perfectamente la laguna, pero lleva semanas desaparecido. Nadie parece saber de su paradero, pero pronto Paolo comienza a sospechar que el silencio oculta un oscuro secreto. Así, pregunta en los bares y tabernas del puerto, navega por la laguna y busca respuestas en los barrios marginales de la ciudad y en casas apartadas en islas solitarias. Finalmente, uno de los tratos de drogas de su camarilla sale mal. Paolo se ve envuelto en una espiral de misteriosas maquinaciones criminales. La mafia y los traficantes tienen todo bajo control, la policía mira hacia otro lado o se muestra impotente. Está en juego su amistad con su compañero Ahmad, que quiere meterle cada vez más en este peligroso círculo. El propio Paolo se ve arrastrado a este mundo, no por voluntad propia, sino por la búsqueda de su padre desaparecido. Sin embargo, la realidad es más compleja, y el entramado de redes criminales, mafia y corrupción pronto se le hace cada vez más evidente. La historia cuestiona las opciones morales de los individuos que viven en un sistema de poder y vulnerabilidad, donde la línea entre víctima y victimario es a menudo difusa. Paolo debe decidir si quiere continuar con la búsqueda, aunque el desenlace sea fatal. Pero, ¿hay alguna salida?
Venecia, como ciudad convulsa, desempeña aquí un papel central, no como lugar de belleza, sino también como lugar de decadencia, de islas abandonadas y de peligrosos bajos en la laguna, que pueden ser mortales si no se tiene cuidado. Las zonas abandonadas de la ciudad, donde se desarrolla la mayor parte de la acción, actúan como una metáfora perfecta de los secretos y rincones oscuros donde no sólo prospera el negocio del contrabando. Este paisaje implacable no sólo explora la lucha por sobrevivir en el mundo físico, sino también hasta dónde está dispuesto a llegar alguien para obtener respuestas - y qué compromisos está dispuesto a hacer en el camino.
Piero Macola da vida magistralmente a la atmósfera sombría de esta situación. Su estilo de dibujo se reduce al punto, y se las arregla para representar los detalles lúgubres pero vívidos de la laguna veneciana en toda su decadencia. Los edificios abandonados, los canales erosionados y los rincones secretos y oscuros de la ciudad no son meros telones de fondo, sino elementos activos de la propia narración (véase, por ejemplo, la imagen de la izquierda, p. 120). Los peligrosos bajos de la laguna simbolizan el terreno incierto que Paolo atraviesa física y moralmente en su búsqueda. La paleta de colores es deliberadamente apagada: los tonos marrones, grises y azules dominan las páginas. Estos colores no sólo reflejan el estado de ánimo de la trama, sino que también subrayan la sensación de decadencia y pérdida que impregna toda la narración. Macola utiliza su estilo claro y preciso para transmitir el estado emocional de los personajes y la atmósfera opresiva de los patios venecianos y las islas de la laguna. Pero los rostros de los personajes también se caracterizan a menudo por el dolor, la ira o la resignación, mientras que pequeños detalles gráficos refuerzan la sensación de abandono que no solo vive Paolo en su viaje. El estilo de Piero Macola recuerda en cierto modo a la obra de Gipi, sobre todo por su capacidad para transmitir emociones y atmósferas a través de dibujos sencillos, sutiles, pero poderosos. El contrabandista es, por tanto, no sólo una aventura cautivadora, sino también una obra que cuestiona nuestra propia posición ante el comercio global de personas refugiadas. ¿Nos embarcamos en busca de una respuesta incómoda o simplemente cerramos los ojos porque es más cómodo?
Maren &Ahmadjan Amini | Ahmadjan und der Wiedehopf | Carlsen Verlag | 240 páginas | 26 EUR
¡De llegada! Maren & Ahmadjan Amini - Ahmadjan und der Wiedehopf(Ahmadjan y la abubilla). En un mundo en el que los temas de la huida, la emigración y el choque de diferentes culturas aparecen a diario en los medios de comunicación, no es de extrañar que estas complejas cuestiones se aborden cada vez más en la literatura y el cómic. Esta obra es también una exploración íntima sobre los temas del hogar y la identidad. Maren y Ahmadjan Amini utilizan la figura de la abubilla, símbolo de esperanza y transformación, como hilo conductor para estructurar su conmovedora historia.
Maren Amini, dibujante, ilustradora e historietista alemana, trabaja para medios como Die Zeit, Der Spiegel y el Washington Post. Estudió en la Escuela de Ciencias Aplicadas de Hamburgo y se especializó en ilustración y cómic. Su padre, Ahmadjan Amini, es diseñador gráfico. Nació en Kabul (Afganistán) y creció en un entorno no afectado directamente por la guerra. Llegó a Europa en 1972. Ella misma dice: "No necesitabas visado para Alemania y podías quedarte tres meses. Las relaciones entre los dos países eran excelentes. Volé de Kabul en avión a Tashkent, luego a Moscú, y desde allí en tren, vía Polonia, a Berlín Este. Un funcionario me recogió allí y me metió directamente en el tren hacia Berlín Occidental". A diferencia de muchas personas de Afganistán que tuvieron que huir de los conflictos y las guerras, Ahmadjan tuvo la suerte de llegar a Alemania en un momento en que las relaciones políticas entre Afganistán y la RDA aún eran estables.
Durante su estancia en Alemania, Ahmadjan Amini se centró en su desarrollo profesional y artístico. En este sentido, su biografía se caracteriza menos por una dramática historia de huida que por una migración cultural y la búsqueda de una identidad como emigrante en un nuevo país (véase, por ejemplo, la imagen inferior, p. 108 y ss.). La abubilla, un símbolo de La conferencia de los pájaros de Fariduddin Attar, es una figura central que acompaña a Ahmadjan en su viaje. La abubilla no sólo funciona como símbolo del viaje de Ahmadjan, sino también de la búsqueda espiritual e identitaria del protagonista. La abubilla, que aparece en la poesía persa como guía y portadora de sabiduría, conduce a los pájaros en un viaje de autodescubrimiento. En este cómic, esta ave se convierte en una guía para Ahmadjan, que se debate entre sus orígenes afganos y su nueva identidad en Alemania. El pájaro recuerda a Ahmadjan sus raíces y, al mismo tiempo, le ayuda a orientarse en su nuevo entorno y a encontrar su propia identidad.
Maren Amini utiliza su estilo de dibujo claro, casi minimalista, para representar los complejos temas de la migración y la identidad cultural de forma concisa y directa. Sus referentes son sin duda el caricaturista francés Georges Wolinski, ilustrador de la revista satírica Charlie Hebdo, y Sempé en su arte caricaturesco suave pero preciso. En particular, en lo que respecta al fino equilibrio entre el humor y la seriedad, Amini utiliza un enfoque similar en sus cómics. Sus personajes y escenas, recargados y caricaturescos, se caracterizan por una adecuada mezcla de humor y profundidad que ofrece un acceso rápido, no abruma al lector y, al mismo tiempo, le invita a implicarse en la historia sin verse abrumado por la gravedad del tema. La comparación de Ahmadjan y la abubilla con El contrabandista de Christophe Dabitch y Piero Macola ofrece interesantes perspectivas sobre enfoques completamente diferentes del tema de la migración en el cómic. Mientras que El contrabandista cuenta la historia de un niño que se ve atrapado en el mundo del tráfico de seres humanos con un realismo descarnado y tenso, Ahmadjan y la abubilla se caracteriza por una visión más esperanzadora y conciliadora del tema. La abubilla, que sirve de guía hacia una realización superior en La conferencia de los pájaros, se convierte aquí en un símbolo de supervivencia. Aunque Ahmadjan se enfrenta a muchos retos, el mensaje del cómic sigue siendo de esperanza y perseverancia.
Dinah Wernli | Louise | Edition Moderne | 168 páginas | 34 EUR
Musa. Modelo. Objeto. Dinah Wernli - Louise: Con Louise, Dinah Wernli se adentra en una metanarrativa sobre el arte y la vida. La inusual estructura narrativa del cómic, en el que las expresivas superficies pictóricas se enfrentan a breves pasajes de texto a modo de subrayado, refleja el conflicto interior de la protagonista entre su vida como granjera y sus anhelos, desencadenados por su rol como modelo del pintor Cuno Amiet. A través de esta estructura, vemos a Louise tanto desde la perspectiva del pintor/dibujante, por así decirlo, como desde los comentarios de un narrador omnisciente. Amiet, uno de los artistas suizos más importantes de finales del siglo XIX y principios del XX, es conocido por su transición del realismo al expresionismo, influenciado por la pintura postimpresionista francesa.
El volumen de Dinah Wernli está dedicado a un encuentro muy especial en la historia del mundo del arte suizo: el que tuvo lugar entre el famoso pintor y su musa, la joven Louise Grütter, que vivía en el barrio de Cuno Amiet, un pueblo de Argovia. Louise Grütter posó con frecuencia para Amiet a partir de 1905, incluso como madre lactante con su hijo y más adelante en semidesnudos experimentales.
Wernli muestra a Louise como una figura que se encuentra en la frontera entre objeto y sujeto, como modelo inmortalizada en el lienzo y al mismo tiempo como una persona con pensamientos y sentimientos propios. El volumen se adentra en la atmósfera de este encuentro y nos muestra la obra de Amiet a través de los ojos de Louise y viceversa. No se trata tanto de una representación cronológica de un momento histórico, sino de captar las emociones que surgieron durante esta colaboración. La cuestión de la relación entre el arte y la vida, entre el objeto de la pintura y el sujeto autónomo se plantea una y otra vez: ¿Qué provoca el modelo en el pintor y qué provoca el acto de pintar en el modelo?
"Mientras ella está allí sentada
y la mirada de él se posa en ella,
también comienza a verse a sí misma.
Con sus ojos.
Con los suyos" (p. 68 y ss.).
Los cuadros que Wernli presenta en este volumen combinan la herencia artística de Amiet con la fuerza expresiva y narrativa de su propia representación. El estilo gráfico de Dinah Wernli en Louisees esencialmente bidimensional y expresivo. Su lenguaje visual se caracteriza por colores fuertes y atrevidos que subrayan las emociones y la atmósfera de las escenas representadas. A diferencia del cómic clásico, Wernli no trabaja con la representación del movimiento y la acción, sino que se centra en capturar momentos y estados de ánimo. Los dibujos parecen casi percepciones detenidas, tranquilas e introspectivas. Sin embargo, no se trata de una reproducción técnica de un cuadro de Amiet ni de la autenticidad de la relación artística entre modelo y pintor, sino de explorar una conexión emocional, por la que la perspectiva histórica se convierte en personal.
La pregunda de si Louisedebería considerarse un cómic o quizás más bien un álbum ilustrado es, en última instancia, irrelevante. El volumen prescinde sistemáticamente de las características clásicas de un cómic, como la narración en serie o la disposición reconocible de las viñetas. En su lugar, Wernli se basa en grandes imágenes atmosféricas que construyen una cierta lentitud en el estilo narrativo. Aunque las imágenes se combinan repetidamente con textos y diálogos, son más estáticas que cinematográficas. La cuestión de si este volumen debe considerarse realmente un cómic o no sigue abierta. Wernli invita a los lectores a interactuar con la representación visual de sentimientos y estados de ánimo en lugar de concentrarse en una historia lineal. Esto crea un tipo diferente de experiencia para el lector, que pone más énfasis en la percepción y el reflejo de las imágenes que en la progresión de una trama narrativa.
¡Raíces! Craig Thompson - Ginseng Roots (Raíces de Ginseng):Craig Thompson es conocido por sus narraciones épicas y personales. Este cómic combina elementos autobiográficos -la infancia de Thompson en el seno de una familia religiosa conservadora- con una perspectiva global sobre el comercio del ginseng. El libro ofrece una mirada retrospectiva a la infancia y juventud del autor y, al mismo tiempo, un viaje a las profundidades de la naturaleza y la cultura estadounidenses. Al hacerlo, logra el equilibrio entre momentos íntimos y observaciones sociocríticas. La novela gráfica se sitúa así en la tradición de John Steinbeck, a cuya obra Las uvas de la ira remite constantemente.
La trama comienza con la situación familiar, en la que el joven Craig y su hermano tienen que ayudar a escardar y cosechar en los campos de ginseng para contribuir al sustento familiar. Semana tras semana, convierten sus escasas ganancias en cómics. Esto marca las pautas de la vida de Craig: a medida que avanza la historia, se muestra que trabajar en los campos es mucho más que un esfuerzo económico. Se convierte en un medio de autodescubrimiento, una confrontación con el pasado y un vínculo entre generaciones. La recolección del ginseng también se presenta como un rito que simboliza un importante proceso de desarrollo para el autor. En el transcurso de la historia, los niños deben decidir una y otra vez entre el arraigado sentido de la tradición de su padre y sus propias ideas de libertad e independencia. Pronto queda claro que el ginseng no es sólo una fuente de vida, sino también una fuente de conflictos y desafíos dentro de la familia, convirtiéndose en el punto de partida de una confrontación con los propios orígenes. El padre es a la vez una autoridad casi inquebrantable y una figura inquietante con puntos de vista reaccionarios. La relación con él nunca es sencilla, sino que siempre se caracteriza por la ambivalencia (véase, por ejemplo, la imagen de arriba, p. 75). Thompson consigue hacer palpable la intensidad emocional de esta relación en cada página del libro. El cultivo de ginseng en Marathon, Wisconsin, se convierte en una metáfora de la superación de retos por parte del autor. No es casualidad que el propio Thompson dijera una vez: "Mi arte del cómic nació del dolor".
El estilo gráfico de Craig Thompson es tan inconfundible en Ginseng Roots como en sus obras anteriores. Las líneas claras y el estilo detallista dan lugar a una representación realista que también se caracteriza por la reducción caricaturesca-humorística y la puntillosidad. Se sitúa así en la tradición de Will Eisner. Para conseguirlo, utiliza principalmente el blanco y negro de alto contraste, que a menudo se complementa con tonos rojos. Thompson concede especial importancia a la representación de paisajes, que adquieren un carácter personal y se convierten una y otra vez en lugares místicos. Los árboles, las colinas, los ríos... no son sólo telones de fondo, sino casi personajes que influyen significativamente en la historia.
Craig Thompson continúa temáticamente su obra maestra Blankets(2003). Aquí, como allí, Thompson cuenta la historia de su propia juventud, sus conflictos religiosos y su confrontación con el amor y los lazos familiares. Ambas obras tratan de la confrontación con las influencias privadas, sociales y religiosas, y con las expectativas de sus orígenes. Muestra a un Thompson maduro que no teme enfrentarse a sus propias contradicciones.
Jacques Lob & Georges Pichard | Odysseus | avant Verlag | 160 páginas | 39 EUR
¡Overhauled! Jacques Lob & Georges Pichard - Odysseus: El volumen Odysseus de Jacques Lob y Georges Pichard, publicado a principios de la década de 1970, es un producto de su tiempo. Aborda la historia del héroe griego y la interpreta dentro de un marco principalmente erótico. Esta combinación de mitología y erotismo explícito fue un intento de cuestionar y deconstruir las normas imperantes en la literatura y el arte de la época, un acto subversivo, por así decirlo, en el espíritu de la contracultura y la liberación sexual de los años sesenta y setenta. Por tanto, el libro puede considerarse un experimento artístico de la época, pero cabe preguntarse si su mirada totalmente sexista sigue siendo apropiada, sobre todo por la problemática representación de las mujeres.
En el epílogo "Weder Gott noch Staat. Ode to Anarcho-Eroticism" (Ni Dios ni Estado. Oda al anarco-erotismo), Boris Battaglia y Paolo Interdonato escriben: "La carne suave de los dibujos de Georges Pichard nos excitó desde muy jóvenes. Y todavía no nos hemos cansado de mirarla". La afirmación no deja de ser incómoda y suena a hombre blanco mayor. Aquí convendría una reflexión más crítica: al fin y al cabo, la representación de la mujer en el Ulises es sin duda objetivamente problemática. Sólo por su aspecto, Penélope, Circe y Calipso, por ejemplo, son prácticamente indistinguibles entre sí. En los dibujos de Pichard, las figuras femeninas se estilizan de tal manera que, en lugar de ser iluminadas desde una perspectiva mitológica, funcionan más bien como objetos de deseo del héroe.
Mientras esta estética se presentaba como anárquica y liberadora en la década de 1970 bajo el paraguas de la revolución sexual y una liberalización generalizada de la corporalidad y la sexualidad, hoy en día es cada vez más cuestionada críticamente. En el contexto de la revolución sexual, la representación del erotismo debería entenderse como una forma de liberación de las viejas normas morales. Sin embargo, la recurrente representación puramente objetual y de las figuras femeninas debe percibirse hoy como problemática y sexista. Es sintomático de ello la secuencia final, cuando Penélope se culpa por los problemas de erección de Odiseo (véase la imagen superior derecha, p. 139).
Aquí se encuentra un área de tensión que también acompaña al discurso que rodea la reedición de estas obras. Mientras que la Odisea de Homero es un complejo relato sobre el hogar, la pérdida y las privaciones, que se desarrolla en gran parte en un mundo patriarcal cuyos estereotipos se abordan y cuestionan en muchas adaptaciones modernas, el cómic de Pichard parece ignorar este entramado temático y concentrarse por completo en el lado sensual y placentero del mito. Mientras que la obra de Homero trata sobre los conflictos dramáticos de los personajes y los sacrificios de sus decisiones, la narración de Pichard es mucho más simple. La dimensión filosófica y psicológica más profunda, que caracteriza al original, se pierde en gran medida en la adaptación al cómic.
Aunque Odysseus se percibe sobre todo como un cómic erótico, no cabe duda de que se pueden encontrar elementos de ciencia ficción en la adaptación. El uso del marco mitológico de Homero es una oportunidad para que Pichard amplíe el mito en una dirección futurista o especulativa. Pero aquí también domina una idea pseudocientífica muy contemporánea y desfasada, que recuerda a Erich von Däniken: en el texto original de Homero, por ejemplo, el Hades es un lugar oscuro y misterioso donde Odiseo se comunica con las sombras de los muertos para conocer más a fondo la existencia humana. En la obra clásica, los muertos son testigos del pasado y los mensajes que recibe Odiseo suelen ser mensajes de sabiduría sobre la naturaleza humana. Pero Pichard, que no sólo recurre a lo mitológico sino que introduce una lectura moderna y especulativa, transforma el Hades en un escenario que tematiza el desarrollo del ser humano en su totalidad, y lo hace de un modo crudamente futurista: los dioses tienen aquí una sala de proyecciones en la que se pueden ver registros de la evolución, lo que demuestra que la han estado guiando constantemente (véase imagen superior, p. 93).
La cuestión de si la reedición de obras como Odysseus o los cómics eróticos de Guido Crepax sigue siendo pertinente hoy en día debe considerarse, por tanto, desde distintas perspectivas. ¿Basta con editar el cómic en función de su relevancia cultural en una época determinada, cuando el debate crítico sobre las representaciones de género y las normas sexuales ha tomado un cariz completamente distinto? Es más que probable que siga existiendo un mercado para este tipo de cómics, que funcionan como objetos de recuerdo para un público envejecido que mantiene un apego nostálgico hacia estas obras.
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